映画の王道は演劇の映像化という勘違い

王道の作り方をしようとするからダメなのだ

自分自身の創作活動方針に、ポリシーを持つのは自由です。

その中でも、かなり自由度が高いのが「映像」の筈です。

 

しかし、不思議なことに、映像の創作をしていると、王道原理主義とでも言うべき人が多い事に驚きます。

それが、実際に王道かどうかはともかく、私が「王道」と思っている手法は、

• カメラの前に、実物大の対象物を全て用意して
• 登場人物が、そこでお芝居をしている様子を撮影する

というものです。

 

例えば、1968年版の「猿の惑星」や「男はつらいよ」のような作品、高倉健が出演しているような映画がこれに当たります。

 

出演する俳優にとっては、これが最高の状況であり、あるべき手法でしょう。

カメラマンにとってもそうかもしれません。

 

しかし、「カメラの前に全ての情景を用意する」という、昔ながらの「当たり前」の手法は、とにかくお金が掛かります。

「映画とは本来、そうやって作るべきものだ」と、何の疑問も持たずにいる「王道原理主義」に私は同意しません。

映画という創作は、もっと自由な筈だからです。

 

プロ野球を例にしますが、かつて、オリックスと近鉄が一つになって、12球団が11球団になったとき、楽天という会社が新しい球団を発足しました。

その時、11球団のオーナー達が「球団を持つということは、年間40億円の赤字を出し続けるということだ。楽天に毎年40億円捨てられるほどの資金力があるのか？」という馬鹿な質問をしていました。

長年の習慣が、当たり前の王道になっていたんですね。

映画の「王道原理主義」にも、同じような匂いを感じてしまいます。

改めて「映像」の特徴を考える

「カメラの前で演劇やショーを演じているところを撮影する」というタイプの映像化も、もちろんひとつの手法です。

この手法で一番満足するのは、「出演者」を含めた「王道原理主義者」の人たちかもしれません。

当然、撮影現場にその情景が実在しているので、テンションも上がるでしょう。

演技にもリアリティが出る（と本人たちは思う）でしょう。

 

でも、あくまでプロデューサー的な視点で考えると、まず「観客の満足」あっての「作り手の満足」であるべきです。

作り手が満足する方にコストを掛けて、「一般の」観客の満足を後回しにしすぎると、舞台演劇のように、関係者や通ぶった人達だけで盛り上がる、閉鎖的な世界になる危険があると思います。

 

せっかく、「映像」を使った「映画」なのですから、演劇などのライブでは出来ない利点を大いに活かしましょう。

カット割りを有効活用する

カット割りは、芝居する役者の顔を交互に見せる、というような、単なる視点の変更が出来るだけではありません。

舞台を収録した映像と全く違うのは、別々の場所で撮影した映像を、一つのシーンに組み合わせる事が出来る点です。

 

昔の映画で「フライング・ハイ」という、ギャグ・コメディ映画がありました。

この作品は、映画ならではの技術を駆使したギャグが満載でした。

 

例えば、「長い時間を掛けて、牢屋の床下にトンネルを掘る」という、脱獄映画のパロディーシーンで、

• 狭い入り口に上半身を入れて、トンネルを覗く
• 延々と高速道路のように整備されたトンネルの映像
• 入り口から上半身を戻して、カメラに呆れた顔を見せる

というカット割りがありました。

映画にしか出来ないカット割りです。

 

もう一つのカット割りの利点は、実際にはスケールの違うものを、同じスケールのように見せられるところです。

 

これも例を出すと、「トレマーズ」という怪物退治の映画の中、納屋の中で怪物と対決するシーン。

• 納屋の中で銃を構えるハンター
• 向かいの壁が壊れて怪物が現れる
• 発砲するハンター
• 暴れる怪物

このカット割りが素晴らしくて、違和感はありませんが、実は怪物が映っているカットは、小さなミニチュアセットで、怪物も、人が手を入れて動かすタイプの小さなマペットでした。

これも、映像ならではのシーンです。

舞台で再現しようとしたら、大金を掛けて実物大の怪物を作らなければいけません。

映像の最終兵器・合成

カット割りだけでも、見せ方を工夫することで、かなりの表現が出来ます。

しかし、デジタル編集の時代になったことで、そこに、「映像合成」という最終兵器が活用出来るようになりました。

 

スケールの違うものを、同じスケールに見せるカット割りに加え、映像を合成することで、実際にはスケールの違うミニチュアなどを、同一カットの中で、同じスケールのものとして表現できます。

デジタル編集することで、自然な合成が容易になったわけです。

 

映像合成という選択肢が手に入ったことで、「低予算映画だから、こういう場面は作れない」という制約が大幅に減りました。

ステージのショーではなく、映像ならではの作品作りにおいて、映像合成は、まさに最終兵器と言えます。

映像合成を利用できる具体例

昔、テレビ番組で、「西部警察」という、石原プロが制作したドラマがありました。

毎回、都内で派手なカーアクション、クラッシュや爆発シーンが登場する番組でした。

現在では、様々な制約があり、同じ映像のドラマを撮影することは不可能です。

 

もちろん、本物の車を大量に使った迫力は出せませんが、ミニチュアやCG合成を活用すれば、「同じような絵面」は再現できます。

実際、最近の多くの映画では、こうしたシーンで映像合成が盛んです。

 

「ジュラシック・パーク」も、当初は、「実物大の恐竜をカメラの前で大暴れさせる」というコンセプトの映画でした。

実際に、人が入った恐竜モデルも活躍していますが、巨大恐竜のロボットが予定通りには動かず、苦肉の作で採用したCGが成功した後のシリーズでは、恐竜映像はCGの合成がメインになりました。

 

「ウルトラマン」などの見せ場は「巨大ヒーロー」と「巨大怪獣」の戦いです。

もし、こういうコンセプトの作品を作る場合、私なら、少なくとも怪獣はミニチュアを作って、映像合成で巨大ヒーローと共演させます。

これも、ウルトラマンと全く同じ映像にはならないとしても、それなりの説得力を持った映像を、比べものにならないくらいの低コストで形に出来るはずです。

しかも、「人が入る」という、デザイン的な制約が無いので、よりリアリティのある、独創的な怪獣も登場させられる可能性もあります。

映画に伝統芸能としての縛りは似合わない

歌舞伎というのは、その語源からして、「常識にとらわれない」という概念の芸の筈です。

ですから、「スーパー歌舞伎」などで斬新な題材を扱ったりするのは、本来、極めて歌舞伎的なわけです。

 

ところが、「歌舞伎」という「伝統の型」を重んじるように変質してしまうと、「スーパー歌舞伎なんか、歌舞伎じゃない！」というような窮屈な意見が出てくるのではないでしょうか？

 

映画は、元々、さらに自由なものです。

イメージした場面を映像という形にするために、あの手この手で手法に工夫を加えるのが、映画の特徴の一つと思っています。

 

私は、制約の中で

• 少しでもイメージに近いものを
• 少しでも低コストで
• 早く
• 多く

形にするために、映像合成を多用しています。

すると、「そんなの映画じゃないよ」「もっとじっくり、時間もお金も掛けて、しっかりした映画を作った方が良いよ」と意見をしてくる方がいますが、私は「王道原理主義者」ではありません。

あくまで、楽しい映像を楽しい手法で作ろうと思っています。

 

賛同していただける方の参考になれば幸いです。

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