撮影時はセリフをかぶらせない
映画の中には、いろいろな要素があります。
今回は、役者のセリフに絡む部分について、ちょっとした工夫・ヒントになることをお伝えできればと思います。
セリフをかぶせると演技が上手く見える
役者が二人以上出てきて初めて、セリフのやり取りが発生します。
この時に、「慣れた役者がやりがちな演技」があります。
それは、相手のセリフにかぶせて、自分のセリフを言うということです。
これは、場合によっては有効です。
テンポが良くなったり、「相手の言葉を殺して自分のセリフを言う」という、そのキャラクターの意思表示にもなります。
舞台のお芝居でも、よく見かけます。
そういうセリフ回しをすると、実際、演技が少し上手く見えるんです。
決まったリズムが崩れるので、リアルな感じがします。
そのため、セリフを被らせたがる役者さんも多くいます。
しかし、私は、撮影現場ではお勧めしません。
役者の満足を優先させるべきか、という問題
映画には色々なタイプがあります。
役者の「芝居」に頼った、「演劇系の映画」であれば、こういう「演劇風の台詞回し」をそのまま生かすということも有効でしょう。
基本的には、演劇系の映画では、細かな映像編集は抑えて、一連の演技を長回しで撮影します。
演劇の役者にとっては、これが一番心地よい演技です。
ただ、観客にとって心地いいかと言うと、そうとも限りません。
観客視点で映像が適切に切り替わり、「観たいものを観たいタイミングで観せられる」ことの方が重要だったりします。
また、映画は人物の演技だけで構成するものではありません。
編集を進める段階で、全体のバランス調整が必ず必要になります。
セリフをかぶせる演技をさせない理由
セリフをかぶらせている演技の場合、一切の調整は出来ません。
編集段階で、全体のバランスを見たときに、その「セリフのかぶらせ方」が最善の形ではないこともあるわけです。
具体的に言うと、「セリフをかぶせた演技が、躍動感がありすぎてやかましい」という場合などです。
映画というのは、映像編集で様々に加工できるのが大きな特徴です。
この特徴を活かすため、「編集で色々と変更できる余地」を残すことが、とても重要です。
「セリフの間（ま）」も、編集によって長くしたり短くしたり、ある程度は調整する余地を残したいわけです。
Aという人がセリフを言った後、Bという人が次のセリフを言っているのであれば、調整が出来ます。
いくつかの映像が切り替わる構成になっているのが条件ですが、「セリフの間が少し間延びしてるな」というような感じで撮られた映像でも、編集によって、ちょうど心地のいいタイミングでセリフが進むように調整できます。
編集している段階で、「これはいかにも順番にセリフを言っているように聞こえる」という場合、やり取りをリアルに見せるために、あえて、編集で少しセリフをかぶらせることも簡単にできます。
しかも、「セリフをかぶらせる度合い」も何パターンも作って、効果を比べることも容易です。
もちろん、本職の役者は、「編集によってセリフのリズムを変えられる」ということは面白くないでしょう。
- そんなのは演劇ではない
- 芝居ではない
と言うかもしれません。
ただ、映画は、演技だけのものではないんです。
限られた条件の中で、必要な映像を撮影して、適切な形に完成させなければいけません。
演技は映画の要素の一つです。
特に、低予算映画では、出演者の演技力に頼らずに、いかに見やすく面白い映画に仕上げるかがポイントになります。
そのために、編集によって、全体のバランスを整えていく必要があります。
素人役者のたどたどしい演技でも、細かな編集でよって、演技が達者な役者に見せ、面白い映画に思わせることも、DIY映画作りの醍醐味です。
そのためにも、本来の演技からすれば邪道ではありますが、「編集で修正する余地がある演技をしてもらう」というのも、工夫のひとつだと思います。
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Avoid Overlapping Dialogue During Filming
There are many different elements that make up a film.
This time, I’d like to share a few small tips related to actors’ dialogue that may help improve your filmmaking process.
Overlapping Dialogue Can Make Acting Look Better
Dialogue exchanges only begin when two or more actors appear in a scene.
At this point, there is a type of acting that “experienced actors tend to do.”
That is, speaking their own line while overlapping the other actor’s line.
In some cases, this can be effective.
It can improve the tempo, and it can also express a character’s intention—such as “cutting off the other person’s words to assert their own.”
You often see this style in stage plays as well.
Using this kind of overlapping dialogue can indeed make the acting look a bit more skillful.
It breaks the fixed rhythm and gives the performance a more realistic feel.
For that reason, many actors like to overlap their lines.
However, I do not recommend this on a film set.
Should We Prioritize the Actor’s Satisfaction?
There are many types of films.
In films that rely heavily on the actors’ performances—what you might call “theatrical-style films”—it may be effective to preserve this “stage-like dialogue delivery.”
In general, theatrical-style films minimize detailed editing and shoot long takes to capture the full performance.
For stage actors, this is the most comfortable way to perform.
However, whether this is comfortable for the audience is another matter.
From the audience’s perspective, it is often more important that the visuals cut at the right moments so they can “see what they want to see at the right timing.”
Also, a film is not composed solely of the actors’ performances.
During editing, it is always necessary to adjust the overall balance of the film.
Why You Should Avoid Overlapping Dialogue During Filming
When actors overlap their lines, you lose all ability to adjust the timing later.
When reviewing the overall balance during editing, the way the lines overlap may not be the best choice for the final cut.
For example, the overlapping dialogue may feel too energetic or simply too noisy.
One of the strengths of filmmaking is that the footage can be shaped and refined through editing.
To take advantage of this, it is extremely important to leave room for adjustments during post-production.
You also want to preserve some flexibility in the “timing between lines.”
If Person A finishes their line and Person B begins the next line afterward, you can adjust the timing.
As long as the scene is structured with multiple shots that can be cut between, even footage where the “pause between lines feels a bit too long” can be edited so the dialogue flows at a comfortable pace.
During editing, if the exchange sounds too much like “they’re just taking turns speaking,” you can easily add a slight overlap to make the interaction feel more natural.
And you can create multiple versions with different degrees of overlap to compare their effects.
Of course, professional actors may not like the idea that “editing can change the rhythm of their performance.”
- That’s not real theater
- That’s not real acting
They might say such things.
But film is not made of acting alone.
Within limited conditions, you must capture the necessary footage and shape it into a coherent final product.
Acting is only one element of a film.
Especially in low-budget filmmaking, the key is how to create a clear and engaging film without relying solely on the actors’ skill.
To achieve this, editing is essential for balancing the entire work.
Even inexperienced actors with awkward performances can appear more skilled through careful editing, making the film more enjoyable. This is one of the joys of DIY filmmaking.
For that reason, although it may be considered unorthodox from a pure acting perspective, asking actors to “perform in a way that leaves room for editing adjustments” is one useful technique.
