低予算映画を効率化する「ロケ地ストック術」｜升田式スーパープリヴィズ法が生む新しい撮影発想
低予算映画におけるロケ地の価値とロケ撮影が抱える課題
映画の魅力のひとつは、物語を支える「景色」です。
旅行中にふと立ち寄った場所で、「ここで撮影したら良い場面になるだろうな」と感じた経験がある人も多いでしょう。
しかし、王道の映画制作におけるロケ撮影は、スタジオ撮影に比べて驚くほど効率が悪い作業です。
ロケハンを行い、出演者やスタッフを現地に集め、天候や騒音に左右されながら撮影する。
その結果、一日がかりで撮れるのは20カットほどで、本編に換算するとわずか2分程度です。
冷静に考えれば、その1日の撮影コストは数万円規模。
低予算映画にとって、この“ロケの非効率性”は大きな壁になります。
升田式スーパープリヴィズ法とは何か：背景映像を効率化する撮影テクニック
そこで有効になるのが、邪道映画の究極系とも言える、「升田式スーパープリヴィズ法」です。
この手法では、ロケハンそのものが「本番で使う背景映像の撮影」になります。
ロケ地に行くのはカメラを持った監督ひとりでOK、交通費は数分の一というのが大きな特徴です。
さらに、人物の演技を撮影するわけではないので、一か所につき数分で数十カット分の背景映像を撮影可能です。
撮影方法はシンプルで、
「ここに登場人物がいたら、どういう構図で撮りたくなるだろう？」
と想像しながら撮るだけです。
想像力だけが武器になる撮影方法と言えます。
また、ロケ地ストックを作る際は、次の2種類を意識すると汎用性が大きく向上します。
・人物合成を前提とした背景映像
・人物が映らない雑景（登場人物が見ている景色）
この2種類のどちらに使うのか意識して撮影しておくことで、後の編集や脚本作りが格段に楽になります。
ロケ地ストックが脚本を導く：実例で見る「逆算型の創作」
ロケ地ストックは、単に「便利な素材」というだけではありません。
ときには、作品そのものの方向性を決める力を持ちます。
私が長年作り続けている「川口浩探検隊オマージュシリーズ」でも、ストック映像が作品を形づくった例があります。
これは、まだ人物のクロマキー合成が実用的なレベルになっていない時代だったので、純粋な背景映像のストックという訳ではありませんが、参考にはなると思います。
富士樹海でのロケのついでに、当時の作品では使う予定のなかった溶岩洞窟で大量の素材を撮影していました。
森の撮影をした樹海の中に有名な洞窟があり、ロケに同伴してくれたスタッフが洞窟探検の経験者だったんです。
そのため、森で必要な撮影が終わったら、洞窟の映像も撮影しようと思って、あらかじめ照明等も用意しておいたんです。
ちなみにこの洞窟は観光用ではないので、洞内は真っ暗です。
その上、奥へ向かって緩やかに下っている斜面は一面の氷で、洞窟探検の経験者であるスタッフからアイゼンを借りないと滑って危険な場所です。
そうそう行く機会もない場所なので、記録としても撮影しておきたかったんです。
その後、10年以上、この映像はストックされたままになっていたんですが、2025年に完成させた別作品の中で使いました。
このストック映像を活かすために、物語後半を洞窟探検に設定してシナリオを書いたんです。
撮影済みの洞窟シーンは、
- 歩いているシーン
- 人物が見ている映像
が延々と続いているだけですから、ドラマにするには、演技を交えたいろいろな追加撮影が必要です。
追加撮影は再度、洞窟に行くのではなく、週末の夜、自宅周辺の公園で手軽に行い、岩や氷柱を合成して洞窟に見立てました。
非常に低コストで撮影したことになります。
本物の洞窟映像があるからこそ、公園の映像も洞窟内に見えてしまうトリックを使うのは、映画ならではの醍醐味です。
この作品「ツングースの楽園」はYouTubeで公開しています。
このように、ロケ地ストックは脚本を「逆算的に」導く力も持っています。
白紙から自由にストーリーを作るより、いくつかの制約があった方がかえって作りやすいことは、創作者なら実感があるはずです。
合成前提の背景映像とコミュニティ活用が生む、新しい制作環境
人物合成を前提に背景映像を撮影すれば、さらに汎用性の高いストックが作れます。
洞窟映像の例で言えば、歩いている人物「無し」の映像にすることで、より自由な使いみちが生まれるわけです。
さらに、映像制作のコミュニティを活用すると、ストック映像の活用のチャンスは飛躍的に広がります。
他のメンバーが撮影した背景映像をそれぞれ流用し合えば、シーンのバリエーションが圧倒的に増えるからです。
個人ではなかなか行く機会のない場所の映像を使えるのは、コミュニティならではの強みです。
旅行に行ったとか、その人にとっては地元の景色でも、作者にとっては簡単に手に入らない「場所」だったりします。
低予算映画にとって、これが大きな武器になります。
もちろん、王道映画のように大金を使ってロケ地に滞在し、天候が崩れないように祈りながら撮影するのも本格的な素晴らしい体験でしょう。
しかし、私のような超低予算で作品を量産したい作家にとっては、数十分の一のコストで自分が求める物語を形にする、というこの選択肢はとても魅力です。
「グリーンバック撮影した人物を背景に合成して作った映像を組み合わせるなんて、映画じゃないよ」という批判ももっともですが、少なくとも私は、生成AIで綺麗な映像を作るより、自分の足で撮影し、工夫して合成し、ストックを活かして物語を組み立てる方が、創作の満足感ははるかに大きいと感じています。
この升田式スーパープリヴィズ法について詳しく知りたい方は、YouTubeチャンネル内の「７日間でB級モンスター映画を作る！」をご覧ください。
一通りの作業を動画で紹介しています。
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How to Streamline Low‑Budget Filmmaking with “Location Stocking”｜A New Shooting Mindset Born from the Masuda Super‑Previs Method
The Value of Locations in Low‑Budget Films—and Why Location Shooting Is Inefficient
One of the great appeals of cinema lies in its landscapes—the scenery that supports the story.
Many filmmakers have experienced that moment during a trip when they think, “This place would make an amazing scene.”
However, in traditional filmmaking, location shooting is shockingly inefficient compared to studio work.
You conduct a location scout, gather cast and crew on site, and battle weather, noise, and unpredictable conditions.
After a full day of effort, you may capture only about 20 usable shots—roughly two minutes of actual runtime.
When you consider that a single day of shooting can cost tens of thousands of yen, this inefficiency becomes a major obstacle for low‑budget productions.
What Is the Masuda Super‑Previs Method?
A Technique for Efficient Background Capture
This is where the “Masuda Super‑Previs Method”—the ultimate form of so‑called “rogue filmmaking”—becomes powerful.
In this method, the location scout itself becomes the actual background‑plate shoot.
Only the director with a camera needs to visit the location.
Travel costs drop to a fraction of the usual amount.
Because you’re not filming actors, you can capture dozens of background shots at each location in just a few minutes.
The shooting approach is simple:
“If a character were standing here, what kind of shot would I want?”
You film based solely on imagination.
It’s a technique where creativity becomes your primary weapon.
When building your location stock, it helps to consciously capture two types of footage:
Background plates intended for compositing actors later
General scenery with no characters (what the characters would be “looking at”)
Keeping these two categories in mind dramatically simplifies later editing and even scriptwriting.
How Location Stocking Shapes the Script:
A Real Example of Reverse‑Engineered Storytelling
Location stock isn’t just “convenient material.”
Sometimes it can determine the direction of an entire project.
In my long‑running Kawaguchi Expedition Homage Series, there was a case where stock footage shaped the final work.
During a shoot in the Aokigahara Forest, we also captured extensive footage inside a nearby lava cave—footage that wasn’t planned for the project at the time.
One of the crew members accompanying us happened to be experienced in cave exploration, so we brought lighting equipment and filmed the cave while we had the chance.
This cave is not a tourist site—it’s pitch‑black, and the downward‑sloping floor is covered in ice.
Without crampons, it’s dangerously slippery.
It’s not a place you can casually revisit, so I wanted to record it while we were there.
That footage sat unused for over ten years.
But in 2025, I finally incorporated it into a new film.
To make use of the stock footage, I rewrote the latter half of the script to include a cave‑exploration sequence.
The raw cave footage consisted only of:
Characters walking
POV shots of what they were seeing
To turn this into drama, I needed additional performance shots.
Instead of returning to the cave, I filmed these supplementary scenes in a nearby park at night, then composited rocks and icicles to simulate the cave interior.
Because I had real cave footage, the park shots blended convincingly.
This is the magic of filmmaking.
The completed film, Paradise of Tungus, is available on YouTube:
https://youtu.be/eLaoICyz14Q?si=gLTm0laia-74XbI (youtu.be in Bing)_
This is a perfect example of how location stock can reverse‑engineer a script.
For many creators, having constraints actually makes writing easier than starting from a blank page.
Background Plates for Compositing and the Power of Community Collaboration
If you shoot background plates specifically for compositing actors later, your stock becomes even more versatile.
In the cave example, footage without people would have been even more flexible.
And if you work within a filmmaking community, the potential multiplies.
Members can share their background footage with one another, dramatically increasing the variety of available locations.
A place that is “ordinary” for one member may be an impossible‑to‑reach treasure for another.
For low‑budget filmmakers, this is a tremendous advantage.
Of course, spending real money to travel and shoot on location—hoping for good weather—is a wonderful experience in its own right.
But for creators like me who want to produce many films on extremely small budgets, the ability to craft stories at a fraction of the cost is incredibly appealing.
Some may argue, “Compositing actors onto background plates isn’t real filmmaking.”
But personally, I find far more creative satisfaction in shooting my own material, compositing it with care, and building stories around my stock footage—rather than relying on AI‑generated imagery.
If you want to learn more about the Masuda Super‑Previs Method, check out my YouTube series “Make a B‑Movie Monster Film in 7 Days!”
It walks through the entire process.
If you found this article helpful, please share it with fellow creators.
Your single post may spark someone’s next film.
