一行要約

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映画の華はスリルとサスペンスだが・・・

映画の魅力の一つは、見ていてハラハラする危機一髪のアクションシーンや、文字通りサスペンダーにぶら下がって不安定にブラブラ揺れているような、危険なサスペンスシーンを味わうことだったりします。

 

先日、SNSで「007」の一場面のメイキング映像が出ていました。

主人公、ジェームズ・ボンドが銃を持って、ビルの屋上の縁を延々と歩いている場面です。

 

本編映像では映像加工で消されていますが、やっぱり万が一のための命綱を付けて撮影していたんですね。

古くはジャッキー・チェン、最近ではトム・クルーズあたりが身体を張った危険なアクションシーンに挑戦して、その迫力ある映像が話題になったりします。

 

格闘シーンについても、最近は明らかにリアリティのレベルが上がっていて、どの役者さんも迫力のあるアクションを見せてくれます。

 

但し、重要なことを言います。

撮影は「安全」が大前提なんです。

 

プロが作る有名作品は、「撮影時にどれだけ危険を冒したか」ということが話題になりますし、俳優によっては、実際に命の危険を感じるほどの撮影が混じっていないと、もう、快感の刺激を感じられなくなっているのではないかと思います。

 

確かにメイキングの映像を見たりすると、「こんな危険な撮影をしているから、あんなに迫力のある映像になるのか」と感心し、自分でも挑戦してみたくなる人が出てくるのも分かります。

でも、繰り返しますが、撮影は安全が大前提です。

撮影が安全でなければならない理由

実は、撮影中は恐怖心が鈍くなるという事は知られています。

「怖くて絶対にジェットコースターに乗れない」という人でも、ビデオカメラで撮影しながらだと、あまり怖さを感じなくて、乗ることが出来たりします。

 

ヘリコプターから身を乗り出して撮影しているカメラマンに「さすがプロ根性だなあ」と思うかもしれませんが、実際はカメラ越しに景色を見ている事で、恐怖心が麻痺してしまって「もっとよく見えるように撮ろう」と、どんどん身を乗り出しているんです。

 

自分が映っている映像をYouTubeで配信しようとして危険な撮影をして、事故を起こす人がいますが、あの原因の何割かは、ビデオカメラが恐怖心を麻痺させてしまうことにあると思っています。

 

撮影は安全に行なわなければならない理由の一つは、もちろん、スタッフや出演者の事故を防ぐためなんですが、本人たちの事故に関しては、自業自得と言えます。

それよりも問題なのは、やはり「周りに迷惑を掛ける」という事実です。

この「周り」は当事者が思っているより広範囲になります。

 

時々話題になる「迷惑系の撮り鉄」。

鉄道写真マニアの中の、ごく一部の輩が、安全な運転を妨害するような撮影をしたり、他の乗客にも迷惑を掛けたりと問題になっています。

 

本人たちは捕まったら罰金を払う覚悟をしているから良いかもしれませんが、彼らの行動によって「鉄道写真が趣味の人＝迷惑な人」というイメージが作られるので、健全な鉄道ファンの人たちが気の毒でなりません。

 

同様に危険な映画撮影をして周りに迷惑を掛ける人が増えると、映画制作という趣味そのものが「迷惑な行為」だと思われてしまう可能性があるわけです。

 

実際、プロの映像製作者やマスコミは、自分たちの撮影のために平気で通行人に迷惑を掛けていたりしますから、全くお手本にはならないんですが、アマチュアこそ、当たり前の良識を基準にして、「安全」に「迷惑を掛けない」撮影を心掛ける必要があります。

映画の醍醐味は「ほらを吹くこと」

映画の本質は、「本物に見える嘘」を作ることです。

 

危険な場面こそ、実際には拍子抜けするほど安全に撮影する工夫をしてこそ、いろいろな意味での面白さが倍増するとは思いませんか？

創作の世界で「本物志向」が偏った評価を受けると、カメラの前にリアルな状況を再現して、それを撮影するのが尊いとされがちですが、場合によっては「本物を使う＝工夫していない」という事も言えるわけです。

 

映画づくりの面白さは、「どうやって嘘を本物らしく見せるか」の工夫にあると、私は思います。

実際には安全なのに「危険そう」に見せるところに面白味があるはずです。

安全撮影の実例

私が映像製作を始めた初期の頃から意識してきたことに「火は別撮り映像を合成する」という方針があります。

 

始めての作品は探検映画で、森の中でキャンプをしているシーンを何度も登場させました。

設定としては焚火をしているんですが、もちろん実際に森の中で火は使っていません。

当時はデジタル合成が出来ない、アナログ撮影と編集の時代でしたから、森の中で円陣になっている人をミニチュア人形で作り、キャンプ場の河川敷で撮影してきた炎の映像をブラウン管のモニターで再生して、その２つをマジックミラーを使って合成してビデオカメラで撮影する、というまどろっこしい合成映像を作っていました。

あとは、炎の照り返しに見える、オレンジ色の光を人物の顔に照らしたり、炎のアップを映したり、という事で、「森の中で焚火をしている」という状況を安全に作ったわけです。

 

今は、デジタル編集ができますから、炎の合成ははるかに楽に、きれいに出来ます。

そして、仮に「キャンプ場で撮影できるから、実際に火を使える」という状況だとしても、炎は合成することをお勧めします。

 

理由はシンプルです。

炎の映像を合成した方が、イメージ通りの映像になるからです。

 

実は一度だけ、夜のキャンプ場の河原でキャンプの場面を撮影したことがあるんです。

ラフな作品だったので、合成なども使わずに簡単にそのままキャンプのシーンを撮影してみようと、実際に焚火をしてみました。

 

やってみると分かりますが、実際の焚火は火が大きくなったり消えそうになったり、炎の状態がコロコロと変わります。

風向きも変わるし、煙も出ます。

そしてご存じのように、撮影には時間が掛かりますから、映像が切り替わるたびに火が大きくなったり、小さくなって煙ばかり出たり、風が出たり急に無風になったりと、実際の炎のせいで映像が繋がって見えなくなってしまうんです。

 

炎は合成した方が、撮影は早く済むし、炎の大きさなどを編集で調整できて、はるかにメリットが大きいことを実感しました。

顔のアップ映像の時に「セリフの途中で炎の上端が一瞬画面に入る」なんていう調整は、実際の炎では全く無理だったんです。

 

炎は焚火以外でも使っています。

探検シリーズ第２弾の作中で、「洞窟」と「遺跡の中」のシーンに登場する松明です。

 

本編を見ていただいても暗くて分かりにくいと思いますが、実はあの松明は、新聞紙を小麦粉のりで固めたダミーです。

中に懐中電灯を仕込んで、顔に炎の照り返しのような光を当てているんです。

 

実際の火は使っていないので撮影は安全そのものです。

やはり編集時に、ストックしておいた炎素材を合成しました。

手に持った松明の先は動くので炎がずれないように合成する手間が掛かりますが、今であれば、編集ソフトの機能を使って、自動で松明の先に炎を追尾する形で合成できるはずです。

映画原理主義の落とし穴

映画を作っていると、「本物を使うべきだ」という考えに引っ張られることがあります。

私のように合成を多用すると、「お気楽な映像づくりをしてるね」と蔑む人がいるのも事実です。

コストを度外視して芸術作品として作らないと「映画」とは言えないと考える作家や愛好家も多いんです。

それももちろん一つの価値観ですが、時間や資金などの制約が多い、私のようなアマチュア創作者にとっては、前述のように、工夫こそが評価ポイントです。

コストを節約したり、危険を避けながら迫力を出す技術こそ、映画づくりの腕の見せ所だと、私は思います。

 

映画の醍醐味は「ほらを吹くこと」。

荒唐無稽な物語の中で、大の大人が大真面目に演技をしたり、危険な場面を馬鹿正直に危険を冒して撮るのでなく、トリックを使ってとぼけて安全にその場面を作るのが、映画作りの面白いところです。

 

もしあなたが、「迫力を出すために危険を冒した撮影をしようかな」と思っていたら、今回の話で考え直すきっかけにしてください。

一緒に、安全で楽しい「邪道映画術」の世界を広げていきましょう。

 

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（ブログ記事一覧）

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Film Production Is All About Safety｜How to Create Intensity Without Taking Risks

Thrills and Suspense Are the Heart of Cinema—But…

One of the great pleasures of cinema is experiencing those nail‑biting action scenes where danger feels just seconds away, or suspense sequences where characters dangle precariously as if hanging by a literal thread.

Recently, a behind‑the‑scenes clip from 007 circulated on social media. It showed James Bond walking along the edge of a rooftop with a gun in hand. In the final film, the safety harness is digitally removed—but of course, he was securely strapped in during filming.

From Jackie Chan in the past to Tom Cruise today, actors who take on physically dangerous stunts often become the center of attention for their intense, high‑risk performances.

Even fight scenes have become far more realistic in recent years, with actors delivering increasingly powerful action.

But here’s the important part:

Safety is the absolute foundation of filmmaking.

Big‑budget productions often highlight “how dangerous the shoot was,” and some actors may even crave that adrenaline. And yes, watching behind‑the‑scenes footage can make you think, “That’s why the scene looks so intense—I want to try that too.”

But let me repeat: safety comes first. Always.

Why Filming Must Be Safe

It’s well known that fear diminishes during filming.

Even people who “could never ride a roller coaster” often find they can do it while holding a video camera—the fear simply doesn’t register the same way.

A cameraman leaning out of a helicopter might look fearless, but in reality, viewing the world through the camera dulls their sense of danger, making them lean out farther and farther to “get a better shot.”

Some people attempting risky stunts for YouTube end up in accidents, and I believe a significant portion of those incidents stem from this “camera‑induced numbness to fear.”

One reason filming must be safe is, of course, to prevent injuries to staff and performers. But in a sense, if they get hurt, that’s their own responsibility.

The bigger issue is the trouble caused to others.

And “others” extends far beyond what the person imagines.

Take the infamous “nuisance train photographers.” A tiny minority of rail‑photo enthusiasts obstruct trains or disturb passengers, giving the entire hobby a bad reputation.

Even if they’re willing to pay fines, their behavior creates the stereotype: “Train photographers = troublemakers.” And that’s unfair to the many respectful fans.

Likewise, if more people start causing problems with dangerous film shoots, the entire hobby of filmmaking risks being labeled as a nuisance.

Professionals and media crews often inconvenience the public during shoots, so they’re hardly good role models. That’s why amateurs especially must uphold basic common sense: film safely, and don’t cause trouble for anyone.

The Essence of Cinema Is “Telling Beautiful Lies”

The core of filmmaking is creating convincing illusions.

Isn’t it far more interesting when the most dangerous‑looking scenes are actually filmed in completely safe ways?

When “authenticity” is overvalued, people tend to think recreating real situations in front of the camera is noble. But sometimes, “using the real thing” simply means “using no creativity.”

The real joy of filmmaking lies in the ingenuity of making lies look real. The fun is in making something look dangerous while keeping everyone perfectly safe.

Examples of Safe Filming Techniques

Since my earliest days as a filmmaker, I’ve followed one rule: “Fire should always be composited, not real.”

My first project was an adventure film with repeated scenes of camping in the forest. The story required a campfire, but of course, we never used real fire in the woods.

This was before digital compositing existed. So I built miniature figures arranged in a circle, filmed real flames at a riverside campsite, played that footage on a CRT monitor, and used a one‑way mirror to combine the two images before recording them with a video camera.

We added orange light to actors’ faces to mimic firelight and inserted close‑ups of flames. That’s how we safely created the illusion of a campfire in the forest.

Today, digital editing makes fire compositing far easier and cleaner.

Even if you can use real fire—say, at a campsite—I still recommend compositing.

Why? Because composited fire gives you the exact look you want.

I once tried filming a real campfire for a simple nighttime scene. But real flames constantly change—growing, shrinking, flickering, smoking, shifting with the wind. Since filming takes time, the fire never matched between cuts, making the footage impossible to connect smoothly.

Composited fire, on the other hand, saves time and gives full control over flame size and timing. For example, adjusting the flame so it briefly enters the frame during a close‑up—impossible with real fire—becomes trivial in editing.

I’ve also used fire for torches in cave and ruin scenes in my second adventure film. Those torches were actually newspaper hardened with flour paste, with flashlights inside to simulate firelight on the actors’ faces.

No real fire. Completely safe. Then I composited stored flame footage onto the torch tips. Today’s software can even auto‑track the flame to the moving torch.

The Trap of Film Fundamentalism

When making films, it’s easy to fall into the belief that “you must use the real thing.” Some people look down on heavy use of compositing as “lazy filmmaking.”

Others insist that unless you ignore cost and pursue pure art, it isn’t “real cinema.”

That’s one valid perspective—but for amateurs like me, with limited time and budget, creativity is the true measure of skill.

Techniques that save money, avoid danger, and still deliver impact—that’s where filmmaking shines.

Cinema is about telling tall tales. Not about adults risking their lives to film dangerous scenes literally, but about using tricks to safely create those moments with a playful spirit.

If you’ve ever thought, “Maybe I should try a risky stunt to make my film more intense,” I hope this article encourages you to reconsider.

Let’s expand the world of safe, fun, and proudly “unorthodox” filmmaking together.

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