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そもそもプリヴィズに何の意味があるのか

映像作品作りに慣れていない人の特徴は「その映像を形にしたときにどう見えるか」を具体的に想像できないことだと感じます。

 

例えば、私は普段、ビジネス用の動画制作の仕事もしているんですが、その中には、クライアントから提供された素材を組み合わせて編集作業だけ行うものもあります。

大雑把に説明すると、用意されたナレーション用の原稿からナレーション音声を作り、想定される位置に用意された画像をはめ込んでいく作業です。

 

この時、多少でも映像の完成形を想像できる人であれば、ナレーションに合わせて、そのイメージを補佐するような映像を用意できるんです。

その場合は、動画を見て内容が頭に入りやすくなります。

 

一方で、想像できない人の場合は、ナレーションでは伝えきれていなかった別の情報も、文章や細かな表を見せることで画面に詰め込んでこようとします。

この場合は、動画を見ても、視覚情報と音声情報がちぐはぐな上、表示時間は短いですから、内容は全く伝わりません。

 

これを、映像の下準備の段階では体感できないので、中間製造物として「プリヴィズ」を作ります。

プリヴィズというのは、言葉を分解してみると「プリ（事前）」「ヴィズ（映像）」となりますから、そのまま、完成前の「事前映像」という事になります。

 

前述の「伝わらない映像」も、資料を見る限りは内容は正しいし、伝えたい事の筈です。

表示時間はナレーションを読んでみると20秒くらいあるから、細かなデータを表示しても読み取れるんじゃない？と思って作ってしまうわけです。

そこでプリヴィズの出番になって「ほらね。分かりにくいでしょ？」と証明する必要が出てきます。

 

ここで着目して欲しいのは、プリヴィズに使う映像は「仮のもの」でも効果が判断できるということです。

データのグラフを使いたいが、まだ数値が揃っていないとか、イメージキャラクターの人選が終わっていない、という事は関係なく、同じようなイメージの仮の映像を当てはめればいいんです。

 

ナレーションも同じで、その場で誰かが原稿を読み上げた音声を使えば十分です。

 

それらの仮のデータを組み合わせると、映像としてはいかにも未完成でお粗末に見えますが、肝心の「この内容で伝わるかどうか」は正確に判断できるんです。

 

表示時間に対して情報を詰め込み過ぎていれば、理解が追い付く前に映像が切り替わってしまいます。

これは、きれいな本番映像に差し替えても全く同じなんです。

逆に同じ映像のままナレーションだけ長々と続いて退屈で見ていられない場合も同じ。

本番映像にしてもやはり退屈です。

 

このように、コストをかけて本番映像を用意する前に、映像構成のバランスを整えるのが「プリヴィズ」の役目です。

「プリヴィズ」と「スーパープリヴィズ」の違い

映画の世界でも積極的にプリヴィズを取り入れる場合があります。

庵野秀明氏が総監督を務めた「シン・ゴジラ」なども、異常なほどの早口でやり取りされる場面がどういう風に見えるのか、事前に絵コンテの映像を使ってプリヴィズが作られています。

ラフに描いた絵コンテの絵と、庵野監督自身によるセリフの音声で組み合わされたものは、Blu-rayの特典映像に収録されています。

仮の映像として、ラフに作ったCG映像を使う場合もよくあります。

 

レゴブロックで作った撮影場所や登場人物を使って、プリヴィズを作る監督もいます。

どれも、本来のプリヴィズの役割は完全に果たすものです。

 

プリヴィズの欠点は、その作業自体が完全な「追加作業」で、映像イメージを判断した後は「捨てる映像」ということです。

 

私は、プリヴィズを使って映像設計が固まったあと、それを参考に本番映像を「ゼロから撮影し直さなければいけない点」をもっと改善できないかと思ったんです。

 

「升田式スーパープリヴィズ方式」では、絵コンテを元に実写版のプリヴィズを作ります。

特徴的なのは、「本番で使う背景を使う」ということです。

そのためには現地へ行く必要はありますが、ロケハン同様、大抵は監督一人で済ませられます。

 

その背景映像に、別撮りした「人形」を合成して、仮映像を作ります。

仮のセリフを重ねて映像切り替えのタイミングを調整したりするなど、ここからはしばらく通常のプリヴィズ作業と同じです。

 

そして、プリヴィズによる検討が終了して「これでOK」となった後、「人形」と同じ構図で「登場人物」をグリーンバック撮影して、人形映像と差し替えていきます。

 

つまり、プリヴィズ映像を捨てて撮影し直すのではなく、人物以外はそのまま流用するわけです。

 

これが「升田式スーパープリヴィズ方式」です。

 

この手法による圧倒的なメリットは、時間コストの削減です。

プリヴィズによって事前に必要な映像を絞り込んでいるうえ、最も時間が掛かる「人物撮影」を、グリーンバックの前でまとめて撮れるので、普通の作り方をした場合に比べて、数分の一の時間的コストで映画が完成します。

 

仮に出演者が決まっていなくても、映像製作がどんどん進むので、「あとは人物の撮影をして合成するだけ」という状態の映像をストックすることも出来ます。

 

登場人物を入れ替えた別バージョンを作って楽しめるのも、この方式の大きな特徴です。

人間ではなく、リアルな人形を使った「人形劇版」という応用例の可能性もあるでしょう。

映像合成は武器か弱点か

映像合成のメリットの一つは、構図の自由度にあります。

合成が前提になると、制約がかなり少なくなって、思い通りのイメージを追求できるんです。

 

この手法のネックになるのは、映像合成の品質です。

実際、私は長らくグリーンバック撮影した映像と、背景映像をクロマキー合成する技術を過小評価していて、その認識を改めたと同時にこの手法に移行し始めました。

 

ただ、そうは言っても、正直、合成映像であることを完全に覆い隠すことは困難です。

合成であることが分かってしまうと冷めてしまって、物語が頭に入って来ない、という人には理解されない手法だと思います。

 

でも、作り話である物語創作には、「騙す作法と騙される作法」があると私は思います。

「映画ならではの嘘」である映像トリックで冷めてしまうより、トリックの存在を割り切って楽しめた方がお得ではありませんか？

 

技術は日進月歩です。

最近はAI機能を応用することで、グリーンバック撮影ではなかなか実現できなかった、広い場所での人物の俯瞰映像なども、ある程度採用できるようになっています。

コンテストに挑戦した結果

「升田式スーパープリヴィズ法」が実用的であることを証明するために、以前、地元で開催されたコンテストに挑戦したことがあります。

 

挑戦を思い立った時点で、締め切りまで残り２週間しかありませんでしたが、「短期間で映画が出来る」という証明にはうってつけでした。

 

地元を舞台にするのが条件だったので、大急ぎで民話を調べ、「主人公が言い伝えられている禁忌を破ることで河童に脅かされ、からかわれる」というショートムービーの脚本と絵コンテを2日で仕上げました。

そしてロケハンを兼ねて１日で背景の撮影を済ませてきて、人形を使ったプリヴィズ映像製作を進めつつ、知り合いのデザイナーさんに出演交渉。

幸い、半日程度、撮影時間がもらえたので、レンタルスペースでグリーンバック撮影を行ないました。

 

グリーンバック撮影を行なう時点で、人形を使ったプリヴィズ映像にはBGMも入れて、ほぼ完成していますから、その日のうちに人形と人物の入れ替え作業を終えています。

 

実際には、登場させる河童模型の工作に時間が掛かり、締め切りギリギリの応募になったんですが、完成したショートムービー「精霊と河童の森」は、2019年YAMATOフィルムフェスティバルで準グランプリを獲得できました。

（審査委員長：崔洋一監督を交えて記念撮影）

 

創作スタイルに唯一の正解はありませんし、このやり方では味わえない面白さがあることももちろん分かってはいます。

 

ただ、この経験で、「升田式スーパープリヴィズ法」には十分な再現性・実用性があることを証明できました。

そして、この手法をメインで使えば、私が目標としている「低予算映画を量産して楽しむ」ということが実現できるのではないかと思っているのです。

参考になれば幸いです。

 

今回紹介した「精霊と河童の森」はYouTubeチャンネル「MVG博物館」で視聴できます。

https://youtu.be/Ob8kg36s6KE?si=hZ-qZm9OFrqF3EeC

 

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Trying to Win an Award with a Film Made in One Week/The Potential of the Masuda-Style Super-Previs Method

What Is the Point of Previs in the First Place?

People who are not used to creating video works often struggle to visualize concretely what the final footage will look like once it takes shape.

For example, I also work on business video production, and some projects involve editing only—combining materials provided by the client.

Roughly speaking, the process involves generating narration audio from a prepared script and inserting the provided images into their intended positions.

If someone can imagine the final form of the video even a little, they can prepare visuals that support the narration. In that case, the viewer can easily absorb the content.

On the other hand, people who cannot imagine the final result tend to cram the screen with additional text or detailed tables—information that the narration alone could not fully convey.

When this happens, the visual and audio information become mismatched, and because the display time is short, the message fails to get across.

Since this problem cannot be felt during the planning stage, we create an intermediate product called previs.

Breaking down the word: “pre” (before) + “vis” (visual). It literally means “pre-visualization”—a rough version of the final video.

The “uncommunicative video” mentioned earlier may look correct on paper. Reading the narration, one might think, “It’s about 20 seconds long, so viewers can probably read detailed data.” But once you assemble it, you realize it doesn’t work. That’s where previs comes in—to prove, “See? It’s confusing, right?”

The key point is that even placeholder footage is enough to judge effectiveness.

Even if the data graphs aren’t ready or the image character hasn’t been selected, you can simply insert temporary visuals with a similar feel.

The same goes for narration—someone reading the script aloud on the spot is more than enough.

When you combine these temporary elements, the video looks crude and unfinished, but you can still accurately judge the essential question: “Does this convey the message?”

If too much information is packed into too little time, the viewer can’t keep up before the scene changes. This remains true even if you replace the footage with polished final visuals.

Conversely, if the same shot stays on screen while the narration drags on, it becomes boring—again, the same problem persists even with final footage.

Thus, the role of previs is to adjust the balance of the video structure before spending resources on producing the final footage.

The Difference Between “Previs” and “Super-Previs”

Previs is also widely used in the film industry.

For example, in Shin Godzilla, directed by Hideaki Anno, previs was created using storyboard-based video to check how the extremely fast-paced dialogue scenes would look.

Rough storyboard drawings combined with Anno’s own temporary voice acting are included as bonus footage on the Blu-ray. Rough CG is also often used as placeholder footage.

Some directors even create previs using LEGO-built sets and characters. All of these fully serve the original purpose of previs.

However, the drawback of previs is that it is purely extra work, and once the visual concept is confirmed, the previs footage is discarded.

I wondered whether we could improve the fact that, after finalizing the visual design through previs, we still have to shoot the final footage from scratch.

Enter the Masuda-Style Super-Previs Method

In this method, I create a live-action previs based on the storyboard.

The key feature is: Using the actual backgrounds intended for the final film.

This requires going to the location, but like a location scout, the director can usually handle it alone.

I then composite separately filmed puppets onto the background footage to create the temporary previs.

From there, I adjust timing, add temporary dialogue, and proceed just like standard previs.

Once the previs is approved, I film the actors on a green screen in the same composition as the puppets and replace the puppet footage with the real actors.

In other words, instead of discarding the previs and reshooting everything, everything except the actors is reused.

This is the Masuda-Style Super-Previs Method.

The overwhelming advantage: massive time savings

Because previs narrows down the required shots in advance, and because the most time-consuming part—actor filming—can be done all at once in front of a green screen, the film can be completed in a fraction of the time compared to traditional methods.

Even if the cast hasn’t been decided yet, production can move forward, allowing you to stockpile footage that is “ready except for the actors.”

You can also enjoy creating alternate versions by swapping characters. There’s even potential for a “puppet-theater version” using realistic dolls instead of human actors.

Is Compositing a Strength or a Weakness?

One advantage of compositing is the freedom of composition. Once compositing becomes the premise, restrictions decrease dramatically, allowing you to pursue the exact imagery you want.

The bottleneck, however, is the quality of the compositing.

For a long time, I underestimated chroma key compositing—combining green-screen footage with background footage. Once I corrected that misconception, I began shifting to this method.

That said, it’s difficult to completely hide the fact that the footage is composited. Some viewers lose immersion once they notice the trick, making it harder for them to follow the story.

But storytelling—being fiction—has both the art of deceiving and the art of being deceived. Isn’t it better to accept the trick and enjoy the film, rather than being disappointed by “movie magic”?

Technology evolves rapidly. With recent AI-based tools, even overhead shots of people in wide spaces—previously difficult with green-screen—are becoming feasible.

The Results of Entering a Contest

To prove that the Masuda-Style Super-Previs Method is practical, I once entered a local film contest.

When I decided to participate, there were only two weeks left before the deadline—perfect for demonstrating “a film can be made in a short time.”

The contest required the film to be set locally, so I quickly researched local folklore and wrote a script and storyboard in two days for a short film where “the protagonist breaks a forbidden rule and is threatened and teased by a kappa.”

I shot the background footage in a single day while scouting locations, created the puppet-based previs, and negotiated casting with a designer friend.

Fortunately, I secured about half a day for filming, so we shot the green-screen footage in a rental studio.

By the time we filmed the green-screen scenes, the puppet previs already had BGM and was nearly complete, so I finished replacing the puppets with the actors the same day.

In reality, crafting the kappa model took time, and I submitted the film just before the deadline. But the completed short film, “The Forest of Spirits and Kappa,” won the Runner-Up Prize at the 2019 YAMATO Film Festival.

(Commemorative photo with the jury president, Director Yoichi Sai.)

 

There is no single correct creative style, and I understand that this method cannot provide certain kinds of enjoyment.

However, this experience proved that the Masuda-Style Super-Previs Method has sufficient reproducibility and practicality.

And by using this method as my main workflow, I believe I can achieve my goal of “producing low-budget films in quantity and enjoying the process.”

I hope this is helpful.

The short film introduced here, The Forest of Spirits and Kappa, is available on the YouTube channel MVG Museum:

https://youtu.be/Ob8kg36s6KE?si=hZ-qZm9OFrqF3EeC