「映像が自然に繋がらない」を防ぐために有効な構図設計と予備撮影の有効性

映像作品は錯覚で成り立つ

まず初めに認識しなければいけないのは、映像作品、特に「映画」は、バラバラに撮影したものを「繋がっているように錯覚させるもの」だということです。

テレビドラマや演劇のように、長いシーンを一連で演じられるケースはむしろまれです。

映像としての演出は、構図やカメラワークが大きな要素ですから、演技を中断して何度も同じ動作を繰り返す必要があります。

 

演劇をやっている人や、映像に慣れていない人は、同じ芝居を何度もやることを嫌う傾向にあります。

もちろん、演技者としては納得のいく芝居を１回すれば、それで終わりにしたい事は分かるんですが、「ワンシーン・ワンカット」という特殊な手法でない限り、一つのシーン（場面）は、いくつものカット（分割された映像）を組み合わせないと成り立ちません。

観客からすると、分かりにくかったり、間が持たないからです。

 

チャップリンの映画のように、ワンカットが長い作品が成り立つ理由は、演技の内容が「見て」分かりやすいように計算されつくされている事と、圧倒的な役者の魅力があるからです。

残念ながらそんな条件はまず揃いませんから、観客の立場に立って、見やすく、退屈しない映像にしようとすれば、的確なカット割りが必要になるわけです。

「カット割り」は武器でもあり罠でもある

• ここは全体が見える映像にしよう
• ここは主人公の顔のアップ
• 次は主人公が見ているであろう、相手の手元のアップ

という具合に、物語が理解しやすいように映像の構成を考えて、メモとして「絵コンテ」という、撮影用の説明書を用意するのが一般的です。

「自分で撮影するんだから、そんな資料は要らない」

という人は無しでもいいんですが、私は経験上、撮影現場では時間的な余裕がなく、「次に何をやるか」を決めておいて機械的に進めないと、とてもとても予定の分量の撮影が出来ない事を知っているので、絵コンテは必須です。

 

ところが、絵コンテで、全体の映像が繋がるようにあらかじめ考えておけば安心かというと、そうでもありません。

編集をしてみると、どうしても「繋がらない」という部分が出てきてしまうんです。

 

例えば、

「全体映像で話を始めた登場人物を、途中からややアップ映像に切り替える」

という場面があるとします。一般的なカット割りです。

 

全体映像で話しはじめの部分を撮影し終えて、次にカメラをアップ用にセットし直して、セリフの途中から撮影します。

セリフを言いながら「腕を組む」という仕草を入れることにしました。

その方が自然に思われたからです。

 

ところが、１回目の撮影でセリフをつかえてしまい、２回、３回と撮り直すことはよくあります。

その時、本人も監督も、セリフの演技に集中してしまって、「腕を組むという動作」を忘れて、アップの時に「腕を組んだまま」セリフを言ってしまう、というミスが起こりがちなんです。

 

これは編集作業に入るまでなかなか気付きません。

編集してみてはじめて「話している途中で、一瞬で腕を組んでいる」というコミカルなトリック映像のようになってしまうことに気付くんです。

これが「繋がらない」という事です。

 

「そんなの内容には関係ないから大して気にならないだろう」と思いますか？

 

観客の目は残酷です。

ことさら揚げ足を取ろうと虎視眈々と狙っている人の意見は無視して構いませんが、そうでなく、作品を好意的に見ようとしてくれている場合でも、「繋がっていない違和感」というのは、脳が先に発見して意識に上げてしまうんです。

間違いの内容は分からなくても、「あれ？何か不自然だぞ？」という感覚が先に立ちます。

 

特に、例に挙げた「ポーズの不一致」はかなり致命的なミスです。

それは、余計なストレスですから、作品鑑賞にとって良いことがありません。

それが「一連の出来事」であるように錯覚させることに失敗してしまうんです。

 

現実的な解決法は３つあります。

１）登場人物に余計な動きをさせない

人形のように無機的な動きだけさせていれば、この種の失敗は起きにくくなります。

これは、演技としてはつまらなくて、反対意見も多いでしょうが、そもそも演技力を武器に出来ない場合は、マイナスを減らせるという意味で有効です。

演技として淡々としている分、映像としてのバランスを追求することで、逆に魅力が出る場合も多いんです。

２）該当映像の前後も続けて撮影しておく

カットの前後を長めに撮る習慣があれば、編集時に修正がききやすくなります。

きっちりと絵コンテ通りに撮影すると、編集ポイントの選択肢は１つしかありません。

でも、絵コンテの１つ前のカットにあるセリフや動きから撮り始めて、１つ後のカットの分まで撮っておけば、どこで映像を切り替えるかの選択肢が格段に増えます。

それによって、比較的自然に繋がるポイントを探すことが出来ます。

３）アップで一連の流れを撮っておく

ただ、２の方法でも、前述の腕組みの失敗は隠せません。

（撮影中に間違いに気付くチャンスは増えますが）

 

そこで、ある程度のミスはしていることを想定して、編集時に修正しやすい映像をあらかじめ追加撮影しておくと安心です。

絵コンテで用意した映像をバラバラに撮影した後、多少失敗しても良いので、登場人物に一連の芝居を一続きでやってもらいます。

その時に、映像は「主人公の顔のアップ」にして撮っておくんです。

動きがある場合は、カメラも顔を追って動きます。

 

アップである上に動くので撮影の難易度はやや高くなりますが、できるだけズームを使わずにカメラを近付けるなど工夫して対処します。

念のため、同じ芝居で相手役の役者のアップも撮っておきます。

 

これによって、「編集で繋がらない」という事態が起きたとき、「別の映像を挟む」という次善策がとれます。

• 腕を組まずに話している主人公
• 腕を組んで話している主人公

これを直接繋げようとするとおかしくなりますが、その間に相手の顔のアップを入れて

• 腕を組まずに話している主人公
• 話を聞いている相手の顔のアップ
• 腕を組んで話している主人公

とすれば、観客はなんら不自然さを感じなくなるんです。

 

撮影時にミスは必ず起きます。

ミスをしにくくする工夫と共に、ミスをカバーできる準備もしておくのが現実的です。

参考になれば幸いです。

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Video works are made up of illusions

The first thing we must recognize is that video works, especially “movies”, are “things that give the illusion of being connected” to things shot separately.

It’s rather rare for a long scene to be played in a series like a TV drama or a play.

The composition and camera work are important elements in directing the performance as a video, so it is necessary to interrupt the performance and repeat the same action over and over again.

 

People who do theater and people who are not used to film tend to dislike doing the same play over and over again.

Of course, as an actor, I know that I want to finish the play once I am satisfied with it, but unless it is a special technique called “one scene, one cut”, one scene (scene) can be done several times. It doesn’t work unless you combine cuts (divided images).

From the audience’s point of view, it is difficult to understand and there is no pause.

 

The reason why a long one-cut work like Chaplin’s movie is possible is that the content of the performance is calculated so that it is easy to understand by “seeing” and the overwhelming charm of the actor.

Unfortunately, such conditions are rarely met, so if you want to put yourself in the audience’s shoes and make the video easy to watch and not boring, you need accurate cuts.

“Cut split” is both a weapon and a trap

• Let’s make this a video that shows the whole
• Here is a close-up of the main character’s face
• Next is the close-up of the opponent’s hand, which the hero will be looking at

It is common to think about the composition of the video so that the story is easy to understand, and prepare a “storyboard” as a memo for shooting instructions.

“I don’t need such materials because I’m shooting by myself.”

You don’t have to have someone like that, but from my experience, I don’t have time to spare at the shooting site, and I have to decide “what to do next” and proceed mechanically. I know that I can’t shoot , so storyboards are essential.

 

However, it is not the case that it is safe to think in advance so that the whole video will be connected in the storyboard.

When I try to edit it, I can’t help but come across parts that say “it doesn’t connect”.

 

for example,

“Switch the character who started talking in the whole video to a slightly close-up video from the middle”

Suppose there is a situation. It’s a common cut.

 

After shooting the beginning part of the whole video, set up the camera again for close-ups and shoot from the middle of the dialogue.

I decided to add a gesture of “crossing my arms” while saying the lines.

Because it seemed more natural.

 

However, it often happens that the lines get stuck in the first shot, so we have to retake the second and third shots.

At that time, both the person himself and the director tend to concentrate on the acting of the line, forgetting “the action of folding their arms” and saying the lines “with their arms folded” during close-ups. is.

 

I didn’t realize this until I started editing.

It wasn’t until I started editing that I realized that it ended up looking like a comical trick video, like, “In the middle of a conversation, he crossed his arms in an instant.”

This is what I mean by “not connected”.

 

Do you think, “I don’t care because it doesn’t matter”?

 

The spectator’s eyes are cruel.

I don’t mind ignoring the opinions of people who are looking at the work with a keen eye, especially in order to get rid of it. , The brain discovers it first and raises it to consciousness.

Even if you don’t know what the mistake is, the first thing that comes to mind is, “What?

 

In particular, the example of “mismatched poses” is a fatal mistake.

It’s unnecessary stress, so it’s not good for viewing works.

It fails to create the illusion that it is a series of events.

 

There are three practical solutions.

1) Do not let the characters make unnecessary movements

This kind of failure is less likely to occur if you only let the child move inorganically like a doll.

This is boring as acting, and there will be many objections, but it is effective in the sense that it can reduce the negative if you can not use acting ability as a weapon in the first place.

To the extent that the acting is indifferent, there are many cases where the pursuit of the balance in the visuals, on the contrary, brings out the charm.

2) Shoot before and after the corresponding video continuously

If you have the habit of taking longer before and after cuts, it will be easier to make corrections during editing.

If you shoot exactly according to the storyboard, there is only one choice for editing points.

However, if you start filming from the lines and movements in the cut before the storyboard, and then record the cut after the cut, you will have a lot more options for where to switch the footage.

This allows you to find points that connect relatively naturally.

3) Shoot a series of close-ups

However, even with method 2, you can’t hide the above-mentioned failure of folding your arms.

(Although it increases the chances of noticing mistakes while shooting.)

 

Therefore, it is safe to assume that you have made some mistakes and shoot additional footage in advance that is easy to correct during editing.

After filming the images prepared in the storyboard separately, it’s okay to make some mistakes, so I have the characters perform a series of plays in a single sequence.

At that time, the video is taken with “close-up of the main character’s face”.

If there is movement, the camera also follows the face.

 

It’s a close-up and moves, so it’s a little more difficult to shoot, but I’ll try to get the camera closer without using the zoom as much as possible.

Just to be sure, I also take close-ups of the other actors in the same play.

 

As a result, when the situation “not connected by editing” occurs, the next best measure of “inserting another video” can be taken.

• The main character talking without crossing his arms
• Main character talking with his arms crossed

If you try to connect this directly, it will be strange, but insert a close-up of the other person’s face in the meantime,

• The main character talking without crossing his arms
• Close-up of the face of the person listening
• Main character talking with his arms crossed

Then the audience will not feel anything unnatural.

 

Mistakes are bound to happen when shooting.

In addition to devising ways to make it difficult to make mistakes, it is realistic to prepare to cover them.

I’m glad if you can use it as a reference.

 

(This sentence was written by automatic translation)