「映像研には手を出すな」に学ぶ低予算映画のプロデュース視点とコンテンツ活用戦略
映画づくりは完成までが前半戦
「創作の魅力」と言うと、もちろん一番大きいのは「作っている最中の楽しさ」です。
曲がりなりにも、ものを生み出す作業なので、見方によっては苦しい面もありますが、それを乗り越える満足感を味わうと、もう病みつきになります。
ただ、色々な創作がある中でも、映画製作はやや特殊な部類に入るかもしれません。
それは、完成させて終わりにはならない、終わりにしてはいけないということです。
例えば、小説や絵画、手芸などの創作は、完全に自己完結出来ます。
完成品が誰の目に触れなくてもOKで、もし誰かが見て楽しんでくれたらそれはプラスアルファの要素なんです。
ところが、ほとんどの映画は多かれ少なかれ、共同作業です。
私のようにかなりの作業を一人で進めて、文字通りワンマン製作が出来る手法をとっていても、少なくとも出演者として他の人にも参加してもらう必要があります。
その恩返しの意味も含めて、完成作品はちゃんと公開することが大事なんです。
「映画は完成させて終わりではない」ということです。
そう考えると、「映画製作」は
- コンテンツとしての完成
- そのコンテンツの活用
という２つの要素を考えなければいけないんですが、多くの創作者はコンテンツとして完成させると作業をやめてしまいます。
その結果、せっかく作ったコンテンツが死蔵されることになるんです。
どうしてコンテンツを死蔵してしまうのか
偉そうに書いている私自身、映画を製作して上映会や販売などで十分に活用しているとは言い難い状況です。
当事者ですから、その理由はいくつも思い当たります。
例えば、
- 作品が完成しなかった
- 出演してくれたフリーの役者さんが完成時には事務所所属となって作品の扱いが微妙になった
- 完成度に満足出来ずに次回作に興味が移ってしまった
というようなものです。
「こういう映画を作りたい」という熱意に賛同して協力してくれた人たちは、それなりに完成と公開を楽しみにしています。
でも、大抵の場合
- 撮影を手伝ったけど完成したのかどうかも分からない
- 忘れたころに完成の連絡が来たが既に興味は失っている
という状況になりがちです。
私はこれらの元凶の一つが「通常の映画は撮影期間が長すぎることにある」と考え、まず第一に「撮影期間短縮」を優先するスタイルにしましたが、その手法を確立したのが比較的最近のため、それまでの通常の手法で撮影していたころは、作品死蔵のオンパレードだったわけです。
必要なのはプロデュース視点
問題なのは、多くの場合、映画作りを「監督視点」で考えてしまう事です。
商業映画の世界では、作品が完成した後は更に予算を使って宣伝活動をする部隊が作業を引き継ぎますから、監督は作品を完成させることをゴールと考えていても成り立ちます。
しかし、私たちが自分で作る低予算映画には、宣伝部隊はいません。
自分たちで完成したコンテンツを公開したり販売したりしなければ、誰の目にも触れず、世の中的には存在していない事になってしまいます。
そこで必要なのは、作品の企画から最終的なコンテンツの活用まで戦略的に考える「プロデュース視点」です。
私たち創作者は、そもそも作品を作りたいので、放っておいても、どうせ作るんです。
だから、意識すべきは
- 完成後のコンテンツ活用
- 作品を死蔵させない事
と思ってください。
マンガで「映像研には手を出すな」という作品があります。主人公・浅草氏は典型的な創作者。完成品の内容しか頭に無くて、コスト管理・スケジュール管理がまるで出来ません。
ただ、仲間の一人・金森氏は創作の才能はないものの、優れたプロデュース視点を持っているため、創作物を死蔵させることなく創作者を活躍させられるという設定の物語です。
あなたの中に、金森氏のキャラクターを育てる必要があるんです。
私の失敗例から考える解決のアイデア
前述したように、私も多くの自主映画創作者と同様かそれ以上に、作品を死蔵させがちな活動の仕方をしてきました。
反省を踏まえて作品を見返すと、いくつか傾向があることが分かります。
それは例えば、長編大作にしようとしがちだったり、「つかみ」を意識して序盤の場面に凝り過ぎたり、というものです。
これらの傾向は、製作期間を長期化させ、発表時期が遅くなる原因です。
でも、だからと言って、簡単な短編ばかり作りたいわけではないので、それがジレンマでした。
現状、私が考えている解決策は
- 作品を短く分割して順次公開する
- 特に序盤は製作に時間を掛けない
というものです。
作家は未完成のものを人に見せたくありません。これは理解できます。
でも、素人映像作家が時間を掛けて大作を作って「お待たせしました！さあご覧ください！と言っても、誰も待ってはいないんです。
作品が長ければ、「見ようかな」と腰を上げるのにも躊躇します。
作品を死蔵しない、見てもらうという事を考えるなら、出来るだけ早く、短いものを提示する必要があります。
とは言っても短編作品の創作で諦める必要なありません。
構想自体は長編大作でも、それを10分程度に分割して公開することを考えて制作工程を設計し、出来たところから公開していけばいいんです。
ちょうど、新聞の連載小説のような感じです。
連載小説を単行本化するときに、全体を調整して加筆修正するのと同じように、全体の映像が出来上がったら「長編版」として改めて体裁を整えることは出来ます。
凝りたかった場面は追加撮影しても良いでしょう。
分割して公開するメリットは思いのほか多くありそうです。例えば、
- 協力してくれた人に早々に見せられるので喜ばれる
- 見た人に興味を持たれれば、協力者になってもらえる
- 短いので気楽に見られる
- 製作者自身、頻繁に達成感を味わえて意欲が湧く
というものです。
物語を分割するのも、本来、技術を要するものかもしれません。
ただ、これだけ動画コンテンツが飽和状態の現代、昔ながらのフォーマットにこだわる意味も薄れていると感じます。
「各エピソードの終わりは、次が見たくなるような場面にするのが鉄則」というような、かつてのシドニー・シェルダン式の形にせず、普通のシーン終わりに「つづく」と表示してエンディングを繋げてしまえば、尻切れトンボ感があっても、かえって「ツイン・ピークス」のような味わいになって良いかもしれないんです。
実験を兼ねて、私は今後スタートする新作については、分割して順次公開する方式をとっていこうと思います。
参考になれば幸いです。
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Making a movie is the first half until completion
When it comes to the appeal of creation, of course, the biggest thing is the enjoyment of creating.
In some ways, it’s a work that creates things, so depending on how you look at it, it can be painful, but once you get the satisfaction of overcoming it, you’ll be addicted to it.
However, even though there are various creations, film production may fall into a somewhat special category.
It means that it should not be completed and it should not be the end.
For example, the creation of novels, paintings, handicrafts, etc. can be completely self-contained.
It doesn’t matter if the finished product doesn’t see anyone’s eyes, and if someone enjoys looking at it, that’s a plus alpha element.
But most films are more or less collaborative.
Even if, like me, you do a lot of the work on your own, and you’re literally making a one-man production, you still need to involve other people as performers.
Including the meaning of repaying that kindness, it is important to properly release the completed work.
“Finishing a movie is not the end.”
Considering that, “movie production”
- Completion as content
- Leverage that content
We have to consider these two elements, but many creators stop working when they complete the content.
As a result, the content that was created with much effort will be dead stocked.
Why do we keep content dead?
It is hard to say that I am making films and making full use of them for screenings and sales.
As a participant, I can think of many reasons.
for example,
- the work was not completed
- The freelance actor who appeared in the work became a member of the office when it was completed, and the handling of the work became delicate.
- Unsatisfied with the degree of completion, my interest shifted to the next work
That’s what it means.
The people who agreed with the enthusiasm of “I want to make this kind of movie” and cooperated are looking forward to the completion and release in their own way.
But in most cases
- I helped with the shooting, but I don’t even know if it’s finished
- About the time I forgot about it, I got a notification that it was completed, but I’ve already lost interest.
It tends to be a situation.
I believe that one of the culprits of these problems is that the filming period for regular movies is too long. Because it was relatively recent, when I was shooting with the usual method until then, it was a parade of dead works.
What you need is a production perspective
The problem is that, in many cases, we think about filmmaking from a “director’s point of view”.
In the world of commercial films, after the film is completed, the work is taken over by a team that uses the budget to carry out promotional activities, so even if the director considers the completion of the film to be the goal, it will work.
But the low-budget movies we make ourselves don’t have propaganda troopers.
If we do not publish or sell the content we have completed ourselves, it will not be seen by anyone and will not exist in the world.
What is needed is a “producer’s perspective” that strategically thinks from the planning of the work to the final use of the content.
We creators want to make works in the first place, so even if we leave it alone, we will make it anyway.
So you should be aware
- Content utilization after completion
- Do not let the work die
Please think.
There is a manga called ‘Don’t touch the video lab’. The main character, Asakusa, is a typical creator. I only have the contents of the finished product in my head, and I can’t manage the cost and schedule.
However, one of his companions, Mr. Kim, has no creative talent, but has an excellent production perspective, so it is a story that allows the creator to play an active role without letting the creation die.
You need to nurture the character of Kanamori inside you.
Solution ideas based on my failures
As I mentioned earlier, I, like many independent filmmakers, or even more so, have tended to let my work die.
Looking back at the work based on reflection, you can see that there are some trends.
For example, there is a tendency to try to make it a feature-length epic, or to focus too much on the early scenes while being conscious of “grabbing”.
These trends are the cause of longer production times and delayed release times.
But that doesn’t mean I want to make only simple short stories, so that was a dilemma.
Currently, the solution I’m thinking of is
- Divide the work into short pieces and publish them sequentially
- It doesn’t take much time to make, especially in the early stages.
That’s what it means.
Writers don’t want people to see something unfinished. This is understandable.
But even if an amateur videographer spends a lot of time making a masterpiece and says, “Thank you for waiting! Please take a look!”, no one is waiting.
If the work is long, I hesitate to raise my hips to see it.
In order not to hoard my work, and to have people see it, it is necessary to present a short work as soon as possible.
That said, you don’t have to give up on creating short films.
Even if the idea itself is a long-form epic, it’s fine to design the production process by dividing it into about 10 minutes and release it to the public, and release it from the completed point.
It’s just like a serialized novel in a newspaper.
In the same way that when a serialized novel is turned into a book, it is possible to adjust the entirety and make corrections, and once the overall image is completed, it can be reorganized into a “feature version”.
You can take additional shots for scenes that you want to be elaborate.
There seems to be a lot of benefits to splitting and publishing. for example,
- I am pleased because I can show it to the person who cooperated as soon as possible
- If the viewer is interested, they will become a collaborator.
- It’s short, so it’s easy to watch
- The creator himself often feels a sense of accomplishment and is motivated
That’s what it means.
Dividing the story may be something that originally requires skill.
However, in this age of saturated video content, I feel that the point of sticking to the old-fashioned format is fading.
Instead of using the old Sidney Sheldon style, where “the end of each episode should be a scene that makes you want to see the next one”, the ending is displayed as “continued” at the end of a normal scene. If you connect it, even if it feels like a dragonfly at the end, it might be good to have a taste like “Twin Peaks”.
As an experiment, I’m thinking of taking the approach of splitting and releasing the new works that will be launched in the future.
I’m glad if you can use it as a reference.
(This sentence was written by automatic translation)
